arts visuels

Olivia Sautreuil

Marcelline Chauveau

Pour créer la série d’images du Journal de Culture & Démocratie n°56 sur les rituels, Olivia Sautreuil, dessinatrice et sérigraphe, est partie d’une réflexion sur le temps et sur la façon dont celui-ci ritualise nos journées à partir du livre River of Shadows: Eadweard Muybridge and the Technological Wild West de Rebecca Solnit. Elle s’est aussi intéressée au Kibbot Kift, un mouvement du XXème siècle opposé à la vision militariste de certains groupes scouts, dont l’univers et les pratiques rituelles mêlaient mythes, artisanat et art de la vie dans la nature. Comment s’émanciper de l’ordre par l’invention de nouvelles ritualités ? Finalement, l’univers de l’enfance est omniprésent dans cette série d’images, univers familier pour Olivia qui travaille régulièrement pour l’édition et la presse jeunesse. Comment les enfants s’approprient-il·elles les objets du quotidien en les détournant pour apprendre et pour imaginer d’autres possibles ?

L’objet à l’œuvre

Marcelline Chauveau

La relation que nous entretenons aux objets qui nous entourent dit beaucoup de nous et de notre rapport au monde. Au-delà de leur aspect strictement fonctionnel, nos objets sont aussi des médiateurs de savoirs, de mémoires et d’imaginaire. En soignant notre rapport à eux nous prenons finalement soin de nous-mêmes et de nos histoires. Pour Marcelline Chauveau nous pouvons sortir d’un modèle de société basée sur la consommation excessive en inventant de nouvelles ritualités et de nouveaux liens aux choses. Et si nous faisions de notre rapport aux objets un « moyen de résistance à un monde homogène et formaté » ?

Rituels et musées

Anne Françoise Rasseaux, Virginie Mamet, Patricia Balletti, Laura Pleuger, Stéphanie Masuy

La notion de rituel partage avec le musée la mise en tension entre temps passés et horizons communs, la continuité et le changement, quelque chose aussi de l’ordre du passage au sens de transformation et de transmission. Les mots rituel et musée posent les questions associées du comment hériter, comment transmettre ce qui demeure tout en permettant à chacun·e de changer d’état au fil du temps : s’enraciner pour mieux « s’encommunern » et dans le même temps se mettre en mouvement ? Enfin tous les deux mettent en scène un rapport au corps, mettent en geste ce qui les traverse – ces corps –, ce qui demeure, ce qui change et ce qui disparait ? Le rituel a toujours été un moyen pour les sociétés de « s’ouvrir à des échanges multiples avec leur milieu et les existants visibles et invisibles qui l’occupent » dit Myriam Wathee-Delmotte dans le catalogue de l’exposition du Musée L, Art & rite. Le pouvoir des objetsn, qui nous servira de fil rouge dans ce texte collectif. Cet article choral montre comment la notion de rituel traverse les pratiques et dispositifs de médiation culturelle dans le quotidien de quatre musées, et s’interroge donc sur les formes et les effets des rituels qui accompagnent la monstration des œuvres.

Art en milieux de soins : pour qui, pourquoi, comment ?

Laurent Bouchain, Fabienne Audureau, Catherine Vanandruel, Barbara Roman, Aurélie Ehx, Bart Walter, Thierry Boivin

Le groupe Art et santé de Culture & Démocratie a conçu, organisé et proposé, entre décembre 2021 et mai 2022, la formation « Art en milieux de soins : pour qui, pourquoi, comment ? » à destination des artistes, personnels soignants, travailleuses et travailleurs sociaux, étudiant·es de tous ces secteurs, ainsi qu’à toute personne concernée par les questions de l’art en milieux de soins.

Parole et Dominique Mangeot

Sébastien Marandon

« J’imagine un livre conçu comme un théâtre mais délabré, où tous les actes du drame seraient livrés simultanément, discontinûement, et en désordre. C’est là que parait un vieux peintre, assailli de voix étranges, contradictoires, interrompues par des visions. Le réitératif et le décousu est la tournure de sa pensée et, s’il émet quelques finesses d’observation sur son art, le ressassement est la forme d’attaque par laquelle son esprit se cherche », dit Mallarmé dans Divagations.

Bruxelles : identité, hybridité, créolisation

Nedjma Hadj Benchelabi, Hadassah Emmerich, Lisa Ahenkona, Rachida Lamrabet

Propos en anglais traduits par Hélène Hiessler (Culture & Démocratie)

Questionner l’autorité : regards d’artistes

Younes Baba-Ali, Jean-Marie Vanoirbeek, Aleksandra Chaushova, Eric Corijn, Anna Raimondo, Aïda Yancy, Fabrice Kada

« La rencontre va se décliner en deux parties. Nous allons d’abord présenter les démarches singulières des artistes présent·es dans le cadre de l’exposition BXL UNIVERSEL II : multipli.city. Un panel d’artistes cosmopolites qui questionnent, chacun·e à leur manière, le pouvoir et l’autorité. Dans un second temps, nous échangerons autour de la manière de questionner notre rapport à l’autorité et au pouvoir, et plus généralement, autour de la place actuelle des artistes et de la culture dans la ville. Anna Raimondo, vous êtes une artiste italienne : pourquoi avez-vous choisi de vous installer à Bruxelles pour vivre et pour travailler ? »

Joseph Obanubi

Joseph Obanubi est né à Lagos (Nigeria). Après des études de design graphique, il a travaillé un temps comme directeur artistique dans la publicité avant de se consacrer entièrement aux arts visuels à partir de 2018. Ses travaux mêlent la photographie aux images digitales qu’il colle et superpose, composant des « bricolages visuels » de sujets isolés qui « participent à reconstruire une autre réalité dans une esthétique Afro-futuriste ». C’est l’une de ses créations qui figure sur l’affiche du festival Africa is/in the future, programmation artistique multidisciplinaire initialement inspirée par le courant et l’esthétique afro-futuristes, à laquelle Culture & Démocratie a collaboré en 2020 et 2021, et de nouveau cette année alors que le thème de l’édition 2022, « Adventures in Speculative fiction », rejoint en partie celui du dossier «Récits» tout récemment paru. Nous lui avons adressé quelques questions en lien avec ce dossier, autour de sa manière de pratiquer la fiction spéculative.

Joanna Lorho

Marcelline Chauveau

Les images qui accompagnent ce Journal, ont été spécialement créées par Joanna Lorho.

Louis Pelosse

Maryline Le Corre

Les images qui accompagnent ce Journal, ont été exclusivement conçues par Louis Pelosse, inspiré par la thématique du dossier : le temps.

Collages et scènes de recommencement

Pierre Hemptinne

Pierre Hemptinne revient sur l’œuvre d’Emelyne Duval, dont une nouvelle phase était montrée au musée des Beaux-Arts de Mons (BAM) jusqu’à la fin du mois de mai 2022, sous le titre « Souviens-toi ».

#5 − Journée transversale

Laurent Bouchain, Fabienne Audureau, Catherine Vanandruel, Barbara Roman, Aurélie Ehx, Bart Walter, Thierry Boivin, Pauline Duclaud-Lacoste, Alfred Fadonougbo, Marlon Santana Da Silva

@Centre culturel et sportif Tour à Plomb, 1000 Bruxelles

#3 − Journée focus « Pont des Arts »

Fabienne Audureau, Régine Galle, Nicolas Castiaux, Gauvain Duffy, Margarita Dakou, Véronique Vandegh, Maxime Loye

@ Centre socioculturel Garcia Lorca, 1000 Bruxelles

Présentation des intervenant·es

LE GROUPE DE TRAVAIL ART ET SANTÉ

Benjamin Monteil

Thibault Scohier

Le paysage n’est plus un sujet en vogue. Alors qu’il a été, de la Renaissance au XIXe siècle, l’un des principaux thèmes de la peinture, réinventé toujours par les écoles qui se succédaient, on lui préfère de nos jours d’autres territoires, plus abstraits ou plus intérieurs. Le travail de Benjamin Monteil lui redonne sa centralité, explore son héritage, tout en lui appliquant un traitement tout à fait neuf et propre à l’époque.

Ce qui est étranger et ce qui est soi

Entretien avec Benjamin Monteil

Marqué par ses origines franco-sénégalaises, Benjamin Monteil, aime brouiller les codes et les limites entre les territoires − entre Occident et Afrique, entre mainstream et contre- cultures, entre intériorité et extériorité, entre le corps et la prothèse, entre des représentations contemporaines de nos paysages et d’autres du passé ou de futurs imaginés. Ses gravures et dessins puisent aussi bien dans la gravure occidentale du XIXe siècle que dans l’univers du jeu vidéo ou encore des mangas, et dans les frictions qui naissent de la rencontre de tous ces courants. Ces constants déplacements le poussent à penser, dans sa pratique, à comment bricoler le monde de demain dans nos ruines actuelles. Comment à partir d’éléments hétérogènes fabriquer un monde habitable ?

Espace public : un territoire d’alliances à ouvrir

Ninon Mazeaud

Depuis un point de vue personnel de militante et d’artiste, Ninon Mazeaud, membre (entre autres) des collectifs Bezet La Monnaie Occupée et Artistes Actifs Béguinage, s’interroge sur ses territoires d’activité et de lutte, sa légitimité et son rapport à la notion ambiguë d’espace public. À partir d’une volonté de réappropriation de cet espace, la question se pose des alliances possibles et de leurs difficultés. Quelle place peut-on donner à celles et ceux pour qui l’espace public est un lieu de contrôle et de répression quand il est pour soi-même encore un lieu d’expression possible ? Comment créer des continuums de luttes et de prises de puissances démocratiques à partir de nos territoires respectifs ?

Marine Martin

Renaud-Selim Sanli

Si le tatouage n’est pas à proprement parler un phénomène de masse, il se popularise à vitesse grandissante et les salons de tatouage fleurissent dans les rues des villes européennes. On compterait aujourd’hui 10 % de la population française tatouée et 15 % pour les États-Unis. Il est donc indéniablement devenu un vecteur important d’expression des cultures populaires. Marine Martin, dont les dessins parsèment ce numéro, est tatoueuse chez Purple Sun, salon qu’elle a co-fondé dans le quartier des Marolles en 2015.

L’art brut : singularité, hermétisme et spontanéité culturelle

Entretien avec Matthieu Morin

L’art brut est-il un art populaire ? Si tous deux partagent la spontanéité et l’ouverture au monde extérieur, Matthieu Morin les distingue radicalement. Pour l’auteur de l’ouvrage Des pépites dans le goudron (Frémok, 2019), l’art brut est « un art qui s’ignore »,il relève d’une extrême singularité, d’une spontanéité vitale qui n’en est pas moins attachée à un contexte d’existence, mais au contraire de l’art populaire, il n’a pas de caractère collectif. Et si l’art brut permettait de redessiner des frontières poreuses entre culture, art et production de masse ?

Keith Haring ou l’émancipation revendiquée du Pop Shop

Alberta Sessa

Dans le contexte de l’hyper-industrialisation, « populaire » est surtout synonyme de production de masse. C’est ce contexte qui voit l’émergence du pop art dans les pays occidentaux durant la seconde moitié du XXe siècle. Artiste engagé, décrié par le milieu artistique traditionnel, résolu à rendre l’art accessible à tou·tes, Keith Haring est l’une de ses figures emblématique aux États-Unis.

Out & High - Quelques clefs sur la question du populaire dans les arts plastiques

Joël Roucloux

« Méditer sur les distinctions entre art savant et art populaire revient toujours à interroger les frontières de l’art tout court. » Comment ces interrogations ont-elles traversé l’histoire contemporaine dans le champ des arts plastiques ? Joël Roucloux donne ici quelques balises, en s’arrêtant notamment sur le travail du critique d’art Champfleury, auteur d’un essai sur l’imagerie populaire, qui, en portant l’attention sur les arts non académiques comme les images d’Épinal ou l’artisanat, influencera tant les artistes « savant·es » français·es que les historien·nes de l’art après lui.

Des images en parallèle Le Medex

Renaud-Selim Sanli

Comment croquer sans figer l’espace-temps déjà si souvent statique de conférences, qui plus est portant sur le thème de l’exil ? À cette difficulté, les quatre dessinateurs et dessinatrices du Medex se sont frotté·es et offrent tour à tour un contrepoint qui en démultiplie les perspectives.

Anne Leloup

Renaud-Selim Sanli

Les œuvres d’Anne Leloup nous transportent d’une ligne à un corps plein, du corps plein à d’autres lignes, on ne sait plus si on s’enracine ou si au contraire, dans le suivi de ces lignes d’erresn, dans le style du tracé on se laisse emporter vers une forme d’élévation cosmique, digne d’un panouranismen repensé. Une sensation du mélange se dessine aussi de la rencontre de ces lignes simples et de ces corps plus bruts, aux contours plus fuyants, le mélange qui a lieu au point limite de toute rencontre. L’importance de deux forces, de deux styles, deux éléments sur le point de se rencontrer dans un déploiement qui dépasse les termes du départ. Cette sensation n’est que renforcée par la manière dont les créations d’Anne Leloup semblent vouloir se déployer de manière à rendre absents les bords de son support, à se déployer au-delà de la feuille qui lui sert de motif d’expression, pour rejoindre les mondes de la vie (ce même monde qui a permis à la plante de devenir parfois un arbre et d’un arbre une feuille de papier).

Annick Blavier

Maryline le Corre

Annick Blavier l’indique tout de go sur son site internet : « La technique n’a jamais été pour moi un but mais un moyen. » De fait, quelle que soit la technique utilisée, le sujet de l’œuvre d’Annick Blavier est la trace, la mémoire et le décalage. Ses croquis, dont certains accompagnent ce Journal 51, s’inscrivent donc naturellement dans cette volonté de circonscrire un moment, une sensation.

L’envie irrépressible de créer

Entretien avec Carole Alden

Free Translation est une exposition internationale multidisciplinaire de travaux réalisés à l’issue d’un appel à contributions diffusé auprès de détenu·es, ex-détenu·es et de personnes touchées par l’emprisonnement. C’est par l’intermédiaire de cette plateforme que l’artiste Arlene Tucker a rencontré Carole Alden. Par la pratique artistique, l’échange de courriers et le dialogue sont explorées différentes idées préconçues, attentes, projections et formes d’expressions. C’est de l’exposition que les « Free Translation Sessions » sont nées. Lors de ces rassemblements, on crée, on interprète, on regarde et on discute les travaux reçus. Le partage d’histoires personnelles, l’expérimentation de techniques artistiques, l’écoute de points de vue subjectifs peut contribuer à guider les démarches artistiques et à mettre en lumière différents parcours de vie.

Représentation de l’exil et assignation

Hamedine Kane

Je m’appelle Hamedine Kane, je suis artiste, réalisateur et je fais des installations vidéos. Je suis en Belgique depuis dix ans. Quand je suis arrivé en Belgique, je me suis d’abord retrouvé au centre d’accueil d’Yvoir dans le namurois, dans le cadre de ma procédure de demande d’asile. J’y ai vécu quelques années avant de venir m’installer à Bruxelles. Ce sont les rencontres que j’ai faites ici qui m’ont amené à me confronter à certaines pratiques artistiques, au cinéma puis aux arts plastiques.

Kolektif 2 Dymansion

Les images qui accompagnent les textes de ce numéro sont tirées de la série réalisée par les photographes du Kolektif 2 Dymansion, basé à Port-au- Prince en Haïti, dans le cadre de leur projet « Frontières », qui a donné lieu au premier numéro de la revue Fotopaklè. Dans cette revue, le parti pris est de « poser des regards simples sur les choses et les êtres, de dépasser nos propres préjugés et de partager avec nos lecteurs et lectrices, image après image, des moments réflexifs sur le monde et notre humanité », explique Maçon Dumas sur le site du collectif.

Françoise Pétrovitch

Sabine de Ville

Le Centre de la gravure et de l’image imprimée a exposé Françoise Pétrovitch en 2018. Une exposition intitulée À vif, titre pertinent au regard du travail incisif et puissant développé par l’artiste.

Emine Karali

Thibault Scohier

Comment partager la différence, la transmettre et donner vie à ses expressions ? C’est la question qu’Emine Karali explore dans les œuvres qui illustrent ce numéro du Journal Culture & Démocratie.

On les imagine dansant

Entretien avec Emine Karali

Emine Karali a grandi avec pas mal d’étiquettes, des identités qu’elle ne s’est pas choisies. Dans son travail d’illustratrice, dessiner des masques lui permet de brouiller les pistes : plus de visage ou de genre identifiable mais des identités multiples que chacun·e reconnait selon son cœur. Elle imagine des histoires qui interrogent nos représentations de l’Autre et invite chacun·e à en inventer.

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